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Culturally Transformed Industrial Location for PSi #23 (part 1 of 3)

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A Conference titled OVERFLOW from June 8 to 11, 2017 at Kampnagel in Hamburg

Impressions and Observations (Part 1)

The Kampnagelfabrik, which is the venue for dance-, music- and theatrical performances, was a factory that produced cranes for the port until the 1970s. After it was closed artists squatted the building and evolved various cultural activities there. This all happened when ports were transformed worldwide by the innovation of containers, which required a complete revision of the logistic scheme. When housing the annual conference of Performance Studies international, one can also realize the effects of economic change on education in the actual phase of globalization, when knowledge becomes a part of profit oriented circulation of goods and services too. However the good thing that cultural knowledge also has faces bodies and minds, which can be met and experienced during conferences and festivals like OVERFLOW from June 8 to 11 in Hamburg. Probably there are hardly other fields than those of the arts, dance, theatre, music, ritual and play as well as public performances in which cultural experience and expertise are represented and kept over the centuries.

The Foyer of Kampnagel during the Conference,
photographed by johnicon

PSi is a unique organization in which ideally practitioners of various fields of the performing arts meet academics of the theatre-faculties from the leading universities of the world. That fuels conflicts with institutions, which undergo restrictions, imposed by the neo-liberal management of universities. These were discussed right away on a Friday panel, which took place next to another one, where information on activism and performances in the overflowing City of Hong Kong was given. There students, intellectuals and artists fight for freedom which they have to defend against the requirements of capital and the circulation of commodities.

An opportunity to participate in a rich field of experiences in practice and research

The title of this conference is a metaphor describing the situation of the rich countries that profit from the exploitation of labor, agricultural and natural resources of the world, but you can also read it in a different way as the gifts, which are provided by the possibilities one has, when growing up on the sunny side of the word. Overflow can also be given to somebody for example through his or her intellectual and physical qualities, which enable a person to lead a full and happy life or resist stress and unrest.

Overflow in terms of affluence as well as spill can also be poisonous and destructive. Power and wrong decisions can destroy people’s lives, nature and social stability. Streams of money are used to exploit the resources thus helping to establish a corrupt ruling-class like in Kongo and Nigeria. On the other hand overflow is created by culture in Europe these days, when the documenta 14 at Kassel and Athens. Also the Skulpturen-Projekte Münster are opened simultaneously and in addition to the Venice Biennale and the Theater der Welt in Hamburg. Those who have the resources and permits to travel can visit the presentation of works of a chosen number of creative people from all over the world. This is also true for the program of PSi #23. Every day the participants of the conference can browse through 70 titles of presentations of papers, lectures, performances, panel-discussions or workshops, and have to decide, which one to attend. Disciplined enough you sit in one out of 10 contributions of ideas, knowledge and research, ranging from artistic to cultural, political and economic topics, from personal to conceptual as well as to life acts and performances representing in itself the flow if not an overflow of human struggle with reality and the results of cultural procession of it. For those who feel that the earth is too small Maaike Bleeker and Felipe Cervera offered a 4 hour lasting session hosting a series of lecturers, who explored the possibilities of space such as Planetary Performance Theory, theatrical events on the popularization of research in astronomy (Kurt Vanhoutte), Soviet Sci-Fi-Movies (Natalija Maysova), Performances of the Leap Second (Sara Morawetz), Kinetic Theatre during a Parabolic Flight (Janez Janša), a hypnotic flight to the moon (Nahum) and more.

But what means theatre today and what conditions do we find down on the earth especially in countries endangered by restrictions of the free speech and movement like in Turkey, Hongkong, Poland, not to speak about the dangers by losing once job or terror and crime. As it has been possible for me to visit only a small segment of the affluence of thoughts, ideas, results of research and elaborated papers I have to beg the pardon of all those, who came to Kampnagel to speak and present their papers and PowerPoints and are not mentioned here.

Kampnagel Campus, photographed by johnicon

However I will try to convey my observations as an essay on what I have listening to and experienced personally in encountering participants of the conference. So please take the excerpts that have been chosen as a possible whole. It is a subjective collection of a choice I made according to personal preferences as well as by coincidence. What I personally have experienced as a gift is a growing trust in each other to share knowledge, experience and expertise in the field, that has grown over decades and has its points of contact in many countries on 4 continents – and we still missing Africa, although the continent is present in many contributions reflecting the implications of the refugee-crises and post-colonial politics!

Hamburg is lucky to have hosted this conference at such an impressive place. The link to art history however is missing. It was represented by Aby Warburg, who included contemporary pagan rituals and festivals into the focus of his research of images to understand Renaissance. The Kunstwissenschaftliche Bibliothek Warburg was founded in 1925, a few 100 meters away from the venue of the conference. It was saved from loss in London exile in 1933 and was re-institutionalized as a copy and research-institution after 1993 in the renovated Warburg-building in Hamburg. Unfortunately this promising link to Performance Studies was cut by those who are responsible for the division of the faculties at the University.

More records are prepared to follow soon!

Ein neuer Wettstreit der Künste

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Der Kunstverein Hamburg organisiert zusammen mit dem Deutschen SchauSpielHaus „Jed Martin. Die Karte ist interessanter als das Gebiet“ nach dem Roman „Karte und Gebiet“ von Michel Houellebecq. Dieses Double Feature aus Ausstellung und Theaterstück wurde von Bettina Steinbrügge, Anita Schmid und Christoph Luser kuratiert. Verbunden werden beide Teile als Eröffnungsfeierlichkeit der Ausstellung mit einem kleinen Spaziergang vom Theater in der Kirchenallee zum Kunstverein am Klosterwall, wobei am 21. April schon ein Teil der Zuschauer, die den Weg in die Kunsthalle einschlugen, verloren ging. Ein interessanter Umstand, weil sich daraus ablesen lässt, dass Theaterbesucher um Kunst zu sehen reflexartig die Kunsthalle und nicht den Kunstverein ansteuern. Vielleicht kann die Besonderheit des Projekts das verändern, indem die Ausstellungseröffnung als „Theatrale Feierlichkeit“ während der bis zum 18. Juni laufenden Ausstellung ritualisiert wiederholt wird. So finden am 16. und am 21. Mai jeweils um 19h im Schauspielhaus und um 20:30h im Kunstverein die dritte und vierte Aufführung der Eröffnung der Ausstellung statt. Das ist ein gewaltiges Rufzeichen, und außerdem zieht eine Eröffnung ja immer mehr Zuschauer an als eine laufende Ausstellung. Es wird sich zeigen, ob diese Überlegung aufgeht; denn man muss ja mit der Frage einhaken: Ist Theater schon Ritual oder ist eine Ausstellungseröffnung ein Theater?

Nach einem Stück, das Versatzstücke aus dem genannten Roman und anderen Quellen als Dialog, Monolog, Statement etc. verlautbarte, um eine Idee zu vermitteln, was in einem Künstler vorgehen könnte oder auch nicht, entstand Leere und auch Ratlosigkeit; denn mit der Erforschung dieser Fragen haben sich schon viele WissenschaftlerInnen beschäftigt. Ist aber der Zauber aufzulösen, der von der Kunst ausgeht? Er verlangt doch vielmehr nach Wiederholung.  Die Ausweitung einer Ausstellungseröffnung zu einer „Theatralen Feierlichkeit“ orientiert die Besucher schließlich auch in Richtung auf ein ‚wir wollen mehr!‘ und bietet einen Vorgeschmack auf die diesjährigen Großereignisse, die an so vielen Orten aufwendig in Szene gesetzt und gefeiert werden. Dazu zählen das Theater der Welt in Hamburg, die documenta14 in Kassel und Athen, die Biennale in Venedig und Skulpturenprojekte in Münster, um nur einige zu nennen. Viele Ankündigungen, Erinnerungen und Hinweise auf Begleitprogramme und Publikationen, Interviews mit Preis- und Würdenträgern, Verlautbarungen und Life-Streams werden also wieder Postfächer füllen und schon ohne einen tatsächlichen Ausstellungsbesuch viel Zeit verbrauchen.

Wer ist Jed Martin?

Der Kunstverein möchte mit diesem Stück und einer Ausstellung mit Werken von 10 KünstlerInnen, die wahlweise Jed Martin zugeordnet werden oder unter ihren wirklichen Namen gesehen und interpretiert werden können, Zuschreibungen und Originalität von Werken in Frage stellen. Nur die Kunstakademien weigern sich noch, Künstler als multiple Persönlichkeiten auszubilden, denn dauernde Brüche und Schwenks einer Person würden dem Kunstmarkt schwer zu vermitteln sein. Deshalb lernen KunststudentInnen zuerst einmal, sich als unverwechselbare Produkte zu vermarkten. Dagegen kann ein Schriftsteller wie Houellebecq relativ ungefährdet eine Person erschaffen, die das ignoriert und trotzdem erfolgreich ist. Daher werden Kunstfreundinnen und -freunde Jed Martin im wirklichen Leben nie treffen. Dafür aber können sich LeserInnen des Romans für ein paar Euro daran erfreuen, herrauszufinden, wie künstlerischer Fanatismus und die Selbstgefälligkeit wachsen, wie Tragik entsteht, denen verzweifelte Künstler, zynische Stars und ihr bisweilen selbstbezogenes Publikum immer wieder nachrennen.

Wer bringt die meisten Menschen auf die Beine?

Was aber gibt dem Kunstbetrieb gegenüber der individuellen Lektüre eines Buchs seinen Vorzug? Jedenfalls lockt er die Menschen aus ihren Wohnungen in die Giardini, die Museen und die Hallen der Biennalen und auf viele andere Weltkunstversammlungsplätze der Welt. Die kleine Tour zwischen Theater und Kunstausstellung, die in Hamburg anlässlich der „Theatralen Feierlichkeiten“ den Besucher abverlangt wird, kann als ein Symbol dieser Reisebereitschaft der Kunst-Affectionados gesehen werden. Die Sehnsucht nach Geselligkeit und der Wunsch, das Fernweh zu stillen, werden von den Kunstevents herausgefordert, während Leser und Leserinnen für sich bleiben können, solange sie nicht auf Dichterlesungen Widmungen und Autogramme sammeln. Aber ist es nicht auch so, dass Kunst- und Theaterbetrieb heute die Dichte und die Intensität eines gelungenen Buches, wie dem von Houellebecq, schwerlich erreichen, und man sich als Leser fragt, warum man sich überhaupt auf die Socken gemacht hat, um eine Theaterkarte zu erwerben und sich überdies in die zu einer Ausstellungseröffnung zusammengekommene Menschenmenge zu quetschen. Beim Kauf der Eintrittskarte kam es mir schon in den Sinn, dass eventuell diese Karte, die mir sogar erlaubte, den Bus zur Fahrt ins Theater und zurück zu nehmen, interessanter sein könnte, als das Gebiet, auf dem doch wieder nur ein weiteres Theaterstück aufgeführt werden und eine Ausstellung zu sehen sein würde. Beide Veranstaltungen erreichen nicht einmal im Entferntesten die immersiven Qualitäten der Stücke von SIGNA. Das Beste am Format der „Theatralen Feierlichkeit“ ist also wahrscheinlich der Umstand, dass mit Jed Martin ein Feld eröffnet wurde, das es erlaubt, den Wettstreit zwischen den Künsten neu zu überdenken.

Jochen Schmith, wahlweise Jed Martin: Picnic Blancet 2017, je 240x170cm, geschredderte Geldscheine, Textilfarbe, Baumwolle, Ausstellungsansicht, courtesy Kunstverein in Hamburg, Copyright photo: Fred Dott

Kunstwerke einmal lüften

Vielleicht wäre es nicht schlecht, man würde die 240 x 170 Zentimeter großen Picknickdecken des Künstlerkollektivs Jochen Schmith wirklich einmal in einem Park ausbreiten und auf dem sauerkrautartig auf Hosentaschenstoff fixierten Schredder von Banknoten feiern. Dann wären die Flächen nicht nur nach dem Muster von Parkanlagen kartografiert, sondern bekämen obendrauf eine Imprägnierung durch die Feiernden und von Untendrunter würde ihnen der Rasen als Muster aufgeprägt. Das Leben würde sozusagen das Kunstwerk patinieren wie die Hände einst die zirkulierenden Geldscheine!

Ausstellung im Kunstverein in Hamburg, Klosterwall 23, Hamburg
geöffnet: Di.-So. 12-18h, bis 18. Juni

Künstler-Schamane im dokumentarischen Schwarz-Weiß

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Zum Film über Beuys von Andres Veiel

Erfreulich, dass mit dem Film von Andres Veiel ein Dokumentarfilm über den Künstler Joseph Beuys entstanden ist. Seine Uraufführung während der Berlinale fand große  Beachtung in den Feuilletons.(*) Die Erwartungen waren hoch und man war neugierig, Neues über den inzwischen legendär gewordenen Künstler der Bundesrepublik (West) zu erfahren. Für die Verbreitung von Legenden indes hat Beuys selbst schon zu Lebzeiten gesorgt. Sie gehen auf seine Teilnahme am Zweiten Weltkrieg zurück, in dem er als Berufssoldat in einem Sturzkampfbomber als Bordfunker und MG-Schütze Dienst tat.

Diese Zusammenhänge streift der Film nur marginal und muss mithin nicht nur den Ballast der Tatarenlegende mitschleppen sondern kann folglich auch den Mythos nicht wirklich durchbrechen. Veiel hat allerdings zahlreiche filmische Mittel aufgeboten, um dem Publikum das umfangreiche Foto- und Filmmaterial mit heutigen Mitteln und Animationstricks vor Augen zu führen? Die Schwarz-Weiß-Ästhetik mit der Beuys sich am Liebsten damals für das Fernsehen in Szene setzen ließ, wurde gefeiert und durch das Kinoformat ins Monumentale gesteigert. Aus einem Meer von Einzelfotos auf Kontaktbögen wird durch punktuelles Beleuchten einzelner Bilder das damalige Auswahlverfahren zur Herstellung von Abzügen simuliert. Daraus und aus Beta-Cam-Videos sowie 16mm-Filmen entstanden Übertragungen in das heutige digitale Kinoformat. Doch ist es fraglich, ob mehr als eine Faszination am Material erreicht wurde, das ein jüngeres Publikum an die heute unbekannten Medien der 1960er und 70er Jahre heranführt. Mit Erstaunen nimmt man nebenbei zur Kenntnis, dass damals überall geraucht wurde, so dass bisweilen Gesichter von Interviewten hinter Tabakrauch ausgeblendet werden.

Bilder gegen Klischees

Beeindruckend fand ich die Filmsequenz zur Eröffnung des Films, die zeigt, wie Beuys den Raum betritt, Platz nimmt und nervös in einem Band der Zeitschrift FILMKRITIK blättert. Gelesen hat er darin nicht; deshalb werden hier schon Zweifel an der Legende eines souveränen Künstlers wach. Oft sieht man nicht nur hier einen angespannten etwas fahrigen wenn nicht sogar unsicheren Protagonisten. Das lag daran, dass sich Beuys erst in seinen 40er Jahren von der Bildhauerei kommend in die Aktionskunst hineingearbeitet hat. Noch in den 1970ern war Beuys – obwohl allseits bekannt – ständig unter dem Beschuss der Feinde der Aktionskunst (Kunstkritiker und zahlreiche Kollegen), von Politikern und großen Teilen der Bevölkerung. Man vergisst aus heutiger Sicht leicht, dass Beuys sich in dieser Zeit erst nach vorne arbeiten musste, als Wolf Vostell der führende Vertreter von Happening und Fluxus in Deutschland war. Das kann der Film noch nicht hervorbringen, denn diese Art des Künstlerdokumentarfilms mit vorgegebenem Material, wie in Veiel herstellte, ist als Gattung neu. Man sieht schon, welche Arbeit auf diesem Gebiet noch zu leisten ist.

Veiel verwendet aber auch Aufnahmen der Aktion „Celtic“, die im Edinburgh College of Art entstanden ist, wo Beuys Ende August 1970 „Celtic (Kinloch Rannoch), Schottische Symphonie“ an mehreren Tagen wie ein Theaterstück aufführte. Der Film präsentiert jedoch die erneute Aufführung 1971 in Basel, die ein großes Publikum in einer Halle anzog, das hier Zeuge eines Stücks wird, mit dem Beuys auf die Höhepunkte seiner Karriere als Aktionskünstler zusteuerte. Dass beide Aktionen im Ausland stattfanden, belegt, dass ihm dort vorbehaltlose Anerkennung gezollt wurde, während sie in Deutschland jeweils erkämpft werden musste. Die Aktion „Celtic“ führte er wie viele andere mit Henning Christansen auf, der für den musikalisch-technischen Teil der Aktion zuständig war. Auch hier wird ersichtlich, dass Beuys oft von Kooperationen mit anderen Künstlern profitieren konnte. So kam er überhaupt erst durch die Begegnung mit George Maciunas 1963 mit der Aktionskunst in Berührung. Davon sieht man im Film leider nichts. Auch hat Beuys entgegen des Spiels, das er mit dem Begriff „Eurasien“ betrieb, immer wieder den Kontakt gerade auch zu amerikanischen Künstlern gesucht und gefunden, so dass man nicht sagen kann, er hätte die USA und den amerikanischen Lebensstil ignoriert. Dass dies ausgerechnet von Caroline Tisdall in einem Statement verlautbart wird, verdreht die Geschichte. Vielleicht wird hier auch eine offene Rechnung mit Klaus Staeck beglichen – er kommt ebenfalls im Film zu Wort – ,der mit Beuys im Januar 1974 auf einer ersten Reise  in die USA das Terrain sondiert hatte. Mit der Aktion „Dillinger“  in Chicago hat Beuys diesen Besuch dauerhaft in die Kunstgeschichte eingeschrieben, und mit dem Slogan  „energy plan for the western man“, hatte er eine weitreichende Übertragung des Begriffs „soziale Plastik“ ins Englische geschaffen, die auf Vorträgen in den USA gut ankam. Vielleicht wird er sich sogar auf Dauer als schlagkräftiger erweisen als die kunstgattungsspezifische deutsche Bezeichnung.

Konflikte

Dass dieses unerwähnt bleibt, ist ein weiteres Manko des Films, in dem wegen der beeindruckenden Bilder der Aktion „I like America and America likes Me“ der Mythos des Künstler-Schamanen unkritisiert vordergründig bleibt, weshalb schließlich der politische Künstler Beuys nicht wirklich zu verstehen ist. Die revolutionäre Kraft, die man in Beuys sehen mag und die der Film durch die Konzentration auf das Charisma des Künstlers hervorbringen will, erschließt sich nicht allein visuell. Sie muss kunsthistorisch und begrifflich herausgearbeitet werden. Nur mit dem Zeigen seines Äußeren, das selbst ein Kunstprodukt ist, und der Wiedergabe seiner Äußerungen, wird man Beuys nicht gerecht.

Das in Kürze. Wer mehr wissen will, findet in den Ausführungen über die Aktion „Dillinger“ aus dem 5. Kapitel meines Buchs „Vorsicht bei Fett!“ hier auf dem Blog einige Anhaltspunkte.

Johannes Lothar Schröder